Las mujeres reescriben la Historia del Arte...

ROCÍO PONCE / Público.es

Cuando una persona visita un museo, recibe una información sesgada en la que se silencian múltiples colectivos. Entre ellos, las mujeres.

Estos centros de cultura responden en sus criterios a los puntos de vista de la ideología dominante de la época que los conformó: una visión exclusivamente masculina que también refleja los intereses de una élite económica, social y geográfica. "Los objetos que se encuentran en los museos y quienes los realizaron han sido considerados como elementos dignos de conservarse. A la inversa, todo lo que no está es perecedero y mortal", explica Marián López Cao, directora del Instituto de Investigaciones Feministas (IFF), perteneciente a la Universidad Complutense de Madrid.

En El Prado, sólo 38 obras de 10.000 están firmadas por autoras

Por tanto, ese visitante encuentra en el museo la imagen de las mujeres como seres prescindibles o inexistentes. "La función del museo es hacer pensar a la gente en variantes que nos planteamos ahora y no se planteaban antes", añade López Cao.

Hace dos años, el Ministerio de Cultura, la Universidad Complutense y el IIF firmaron un convenio denominado Museos y género, con el que se han estudiado los fondos museísticos españoles desde la perspectiva de género. Sus frutos pueden visitarse en tres centros (Museo Arqueológico Nacional, Reina Sofía y El Prado) a través de itinerarios alternativos sobre las obras de su exposición permanente. El más reciente es el de Las mujeres y el poder del Museo del Prado, que rescata a mujeres con poder político (reinas, infantas o condesas) que han quedado en el olvido, a través de la investigación de 15 obras que han realizado el IFF y el propio museo.

Un ejemplo de estos itinerarios podemos comprobarlo con la relectura de Las Meninas, pintado hacia 1656 por Velázquez. Es un retrato de la familia de Felipe IV en una escena cotidiana pero que esconde las complejas relaciones de convivencia femenina en la Corte. Además, guarda la historia de la infanta Margarita y su madre, la reina Mariana de Austria, y la posición de ambas en la esfera de poder. Ambas se enfrentaron a fuertes críticas por ser mujeres y su supuesta debilidad moral para poder gobernar.

"Se sigue sin enseñar el pasado de las mujeres", opina una experta
Documento histórico

Antonia Fernández Valencia, que es parte del equipo de trabajo, señala que esta perspectiva que ofrecen a los visitantes a través de una audioguía (y en www.museodelprado.es) descubre relaciones de dominación, económicas, sociales y familiares. "La pintura se convierte así en un documento histórico excepcional visto desde esta perspectiva de género". Esta nueva visión muestra el androcentrismo de los fondos museísticos, más acentuado en la obra clásica que en la contemporánea.

"Se sigue sin enseñar el pasado de las mujeres como creadoras y para eso sirven este tipo de trabajos", opina la profesora Asunción Bernárdez, miembro también del IIF. ¿Y dónde están las obras de esas autoras? "En los almacenes", dice tajante Marián López Cao.

Cuando las encargadas de este proyecto llegaron, convenio bajo el brazo, al Museo del Prado, se encontraron con alrededor de 10.000 obras y sólo 38 firmadas por mujeres. Ninguna de ellas colgaba de sus paredes.

Tras la creación del itinerario, algunas de estas obras han visto la luz, como las de Sofonisba Anguissola y Clara Peeters. Mientras, otras artistas como Artemisia Gentileschi y Margarita Caffi aguardan pacientes su turno. Según López Cao, esas obras no se exponían "porque hay un criterio atravesado de ideología llamado calidad que es abstracto y que es el que incluye o excluye". Su objetivo con esta nueva visión de las obras es que la sociedad reflexione: ¿ Por qué ha sido así tantos años y nadie se había dado cuenta? ¿O los responsables de los museos no han querido hacerlo?

En la actualidad podemos encontrar mujeres a la cabeza de algunos museos como el de América, el Sorolla, el Nacional del Romanticismo, el del Greco o el Nacional de Antropología. Todas, concienciadas con la necesidad de que el patrimonio que dirigen sea mostrado sin sesgo, según consta en la iniciativa Patrimonio en femenino.

Para las investigadoras, además, con esta visión "la Historia se está abriendo a otras posibles escrituras". "Es de ley mirar a las mujeres y restituir su valor en el pasado", afirma López Cao. Esta investigadora cree que al introducir la variante de género aparecen los miedos de los hombres: "Ellos han necesitado siempre un elemento para sentirse mejores y eso es la inferioridad de las mujeres, a las que se educa con idea de dependencia, con estereotipos muy anclados que nos cuesta deconstruir".

La profesora Bernárdez afirma que la irrupción del discurso feminista en los museos es "un aluvión que se ha llevado por delante principios generales sobre el arte y que forma parte del movimiento histórico del siglo XX". "Este proceso es inevitable", concluye.

Homenaje a Saramago en voz de mujeres

Sonia Sierra /El Universal MX

“Las mujeres son los personajes más importantes, más fuertes en la obra de José Saramago; lo decía él, pero basta leer con atención para verlo. Decía que el mundo se sostiene en su órbita gracias a la conversación de la mujer. La única salvación posible que tenemos en este momento es que las mujeres asumamos un protagonismo que no hemos tenido a lo largo de la historia”.

Así habló ayer la periodista y traductora Pilar del Río, viuda del premio Nobel de Literatura José Saramago. Del Río está en México para formar parte del homenaje escénico Voces de mujer en la obra de José Saramago, encabezado por el director Antonio Castro, que tendrá una única presentación el 31 de marzo a las 20:30 horas en Bellas Artes.

Con Del Río estarán en las lecturas en escena la actriz y activista social Ofelia Medina, la periodista y activista de derechos humanos Lydia Cacho, la soprano Lourdes Ambriz, la cantante de rock Ely Guerra y las actrices de teatro y cine Irene Azuela y Clarissa Malheiros.

Páginas de lectura

El grupo de mujeres leerá textos de distintos libros de Saramago, de personajes femeninos. A petición del director, Pilar Del Río no adelantó quién leerá qué texto, pero detalló:

“Son pasajes de Memorial del Convento, con Blimunda, una mujer capaz de ver el interior de las personas y que, buscando a su marido que la Inquisición se había llevado, recorrió a pie nueve veces Portugal, sin tener miedo a nada, ni a nadie. Es la mujer de del médico que dijo que estaba ciega, pero no lo estaba, para ayudar a su marido y a la humanidad; del libro Ensayo sobre la ceguera. Es la muerte en Las intermitencias de la muerte que se transforma en una mujer y decide que al día siguiente no va a morir nadie”.

El cuarto texto es inédito; es la voz de María Magdalena. El texto es la carta que María Magdalena escribiría años después de la muerte de Jesucristo:

“Muchas veces José Saramago y yo hablamos de qué habría sido de María Magdalena después de la muerte de Jesucristo, qué futuro tendría. En el libro El evangelio según Jesucristo comparte los tres años de vida pública de Jesucristo. Y un día José escribió lo que habría sido su vida, una especie de carta de por qué amó y por qué un día ya no tuvo nada más que contar: porque cuando se ha ama ya no hay nada más que contar”.

Del Río explicó en entrevista que será un montaje sorprendente, moderno; con mezcla de rock y música clásica (con composiciones de Eugenio Toussaint y Ely Guerra, entre otros). En este homenaje, que realizan el Conaculta y el INBA, participan también la escenógrafa Mónica Raya y el iluminador Víctor Zapatero.

La próxima semana Del Río presentará en la ciudad de México el libro El último cuaderno, que recoge los últimos textos del escritor portugués para su blog. El volumen, editado por Alfaguara, tiene un prólogo de Umberto Eco y una introducción de Pilar del Río.

“Al revisarlo para la traducción me di cuenta de que Saramago había recuperado textos antiguos y, de pronto, sentí que ese libro era una despedida. Es un regalo inesperado que nos hace de sus afectos, sus amores, hace bromas, se fija en la gente importante de la cultura, de la política, los autores que ama, de Fuentes, de Fernando Pessoa, de García Márquez. También habla de Berlusconi, al que no ama, por supuesto”, concluyó la viuda del escritor portugués.

Gabriela Mistral orgullo de la literatura Latino Americana

Rolando Perera

Kaos en la Red Es la primera persona latinoamericana y primera mujer americana en ganar el Premio Nobel de Literatura, el cual recibió en 1945. Nacio 7 de abril de 1889. Hija de Juan Jerónimo Godoy Villanueva, profesor, y Petronila AlcayagaRojas, de ascendencia vasca. Gabriela Mistral nació en Vicuña, ciudad enla que hoy existe un museo dedicado a ella en la calle donde nació y quehoy lleva su nombre. A los diez días sus padres se la llevaron a La Unión (Pisco Elqui), pero su [image:A_Gabriela_"amado pueblo", como ella misma decía, era Montegrande, dondevivió de los tres a los nueve años, y donde pidió que le dieran sepultura.Sus abuelos paternos, oriundos de la actual región de Antofagasta, fueronGregorio Godoy e Isabel Villanueva; y los maternos, Francisco AlcayagaBarraza y Lucía Rojas Miranda, descendientes de familias propietarias de tierras del Valle de Elqui. La Mistral tuvo una media hermana, que fue suprimera maestra, Emelina Molina Alcayaga, y cuyo padre fue Rosendo.

Aunque su padre abandonó el hogar cuando ella tenía aproximadamente tresaños, Gabriela Mistral lo quiso y siempre lo defendió. Cuenta que"revolviendo papeles", encontró unos versos suyos, "muy bonitos". "Esosversos de mi padre, los primeros que leí, despertaron mi pasión poética",escribió.

Se enamoró platónicamente de Alfredo Videla Pineda, hombre rico y hermoso, más de 20 años mayor que ella, con elque se carteó durante casi año y medio. Después conoció a Romelio Ureta, unfuncionario de ferrocarriles. Éste sacó un dinero de la caja del ferrocarrildonde trabajaba con el fin de ayudar a un amigo; como no lo pudo devolver,Ureta se suicidó. Más tarde -a raíz de su triunfo en los Juegos Florales conSonetos de la muerte, versos que relacionaron con el suicida- nació el mito, que tuvo amplia difusión, del gran amor entre ambos.

El 12 de diciembre de 1914 obtiene el primer premio en el concurso deliteratura de los Juegos Florales organizados por la FECh en Santiago, por sus Sonetos de la Muerte.

Tras una gira por Estados Unidos y Europa, volvió a Chile, donde lasituación política era tan tensa que se vio obligada a partir de nuevo, estavez para servir en Europa como secretaria de una de las secciones de la Ligade Naciones en 1926; el mismo año ocupa la secretaría del Instituto deCooperación Internacional, de la Sociedad de las Naciones, en Ginebra. En 1924 publica en Madrid Ternura, libro en el que practica una novedosa"poesía escolar", renovando los géneros tradicionales de la poesía infantil(canciones de cuna, rondas, arrullos...) desde una poética austera y muydepurada. Petronila Alcayaga, su madre, murió en 1929, por lo cual le dedicóla primera parte de su libro Tala.

A partir de 1933, y durante un periodo de veinte años, trabajó como cónsulde su país en ciudades de Europa y América. Su poesía ha sido traducida alinglés, francés, italiano, alemán y sueco, resultando muy influyente en laobra creativa de muchos escritores latinoamericanos posteriores, como Pablo Neruda y Octavio Paz. Sus diversos poemas escritos para los niños se recitan y cantan en muy diversos países en la actualidad. Muchos de sus poemas y libros han sido leidos por niños y adultos en diversos paises.

A finales de 1945 regresó a Estados Unidos por cuarta vez, esta vez comocónsul en Los Ángeles y, con el dinero ganado con el premio, se compró unacasa en Santa Bárbara. Será allí donde al año siguiente escribiría granparte de Lagar I, en muchos de cuyos poemas se observa la huella de lasegunda guerra mundial, y que será publicado en Chile en 1954. En 1946,conoció a Doris Dana, una escritora estadounidense con quien estableció una controvertida relación y de quien no se separaría hasta su muerte.
Mistral tenía diabetes y problemas de corazón; finalmente murió en elHospital de Hempstead, Nueva York, a causa de un cáncer de páncreas, el 10de enero de 1957, a la edad de 67 años.Sus restos llegaron a Chile el 19 de enero de 1957 y fueron velados en lacasa central de la Universidad de Chile, para después ser sepultados enMontegrande, como era su deseo. Una vez dijo que le gustaría que bautizaranun cerro de Montegrande en su honor; lo consiguió póstumamente: el 7 deabril de 1991, en el que sería su 102 cumpleaños, el cerro Fraile pasó allamarse Gabriela Mistral.

Trayectoria:

El 10 de diciembre de 1945 recibió el Premio Nobel de Literatura de manosdel Rey Gustavo V de Suecia. Con este galardón se convirtió en el primerliterato latinoamericano en recibir el Nobel. En la ceremonia de entrega delgalardón se la llamó "reina de la literatura latinoamericana". En 1947 recibió el Doctorado Honoris Causa del Mills College of Oakland,California. En 1951 obtuvo el Premio Nacional de Literatura, Chile. Entre los muchos doctorados honoris causa que ella recibió, destacan los dela Universidad de Guatemala, la Universidad de California (Los Ángeles) y laUniversidad de Florencia (Italia), por nombrar algunos. En 1954, laUniversidad de Chile finalmente decidió ofrecerle también tal honor. Obras * Sonetos de la Muerte (1914)* Desolación (1922)* Lecturas para mujeres (1923)* Ternura (1924)* Nubes blancas y breve descripción de Chile (1934)* Tala (1938)* Todas íbamos a ser reinas (1938)* Antología (1941)* Lagar (1954)* Recados, contando a Chile (1957)* Poema de Chile (1967, edición póstuma)* Almácigo (2008, edición póstuma de poemas inéditos)* Niña errante (2009, epistolario con Doris Dana)

Violencia de género ....... un debate desde las artes

Lirians Gordillo - Revista Mujeres.-

La violencia de género contra la mujer constituye una problemática tradicionalmente analizada desde las ciencias sociales, la psicología, etc. Sin embargo resulta importante debatir sobre su reproducción cultural a través de los productos artísticos y culturales.

El Coloquio Tiene que haber otro modo. Representación de la violencia y contraviolencia en las artes estuvo dedicado al debate sobre las artes y la representación de la violencia de género.

Celebrado en la Sala Villena de la UNEAC, el evento dio cierre a la Jornada por la NO Violencia contra la Mujer que organiza el Grupo de Reflexión y Solidad Oscar Arnulfo Romero (OAR) con el apoyo de varias organizaciones e instituciones del país, entre ellas la UNEAC. El Coloquio Tiene que haber otro modo convocó a investigadoras, críticos y artistas de diversas manifestaciones a reflexionar sobre el arte y la cultura, su capacidad para significar, proyectar y/o deconstruir la violencia de género dentro del contexto cubano contemporáneo.

Durante la mesa ¿Re-produciendo discursos? Representación de la violencia y la contraviolencia en las artes los especialistas Danae C. Diéguez, Zaida Capote Cruz, Lirians Gordillo, Norge Espinosa y Sandra Álvarez sistematizaron las tendencias principales en la representación de la violencia, así como la existencia de discursos y narrativas que promueven otro modo de ser y ver la relación entre hombres y mujeres.

Cine, literatura, video clip, teatro, artes plásticas, música y cultura hip-hop fueron las principales manifestaciones a partir de las cuales se debatió sobre la representación de la violencia, las mediaciones en la obra de arte y cultural desde las políticas culturales, la ética, el canon artístico, el mercado y la subjetividad, entre otros.

El vínculo personal y profundamente subjetivo que se establece entre los productos artísticos y los seres humanos puede constituir el medio fundamental para la legitimación o subversión de la violencia de género.

Sin embargo, en un mundo donde nos asedian productos culturales cargados de agresividad, es posible encontrar obras que apuestan por un discurso de resistencia, en el cual la violencia constituye objeto de imputación, y no un mero recurso efectista.

Propiciar y visualizar estas miradas contribuye a fomentar un discurso contracultural, frente a las narrativas predominantes que reproducen una violencia indolente. Por ello la validez del diálogo entre creadoras Violencia de Género ¿Dónde convergen las miradas. Moderado por la investigadora y periodista Isabel Moya se reunieron artistas como Laidi Fernández de Juan, Marilyn Solaya, Miriela Moreno, Ileana Alonso, y Agnieska Hernández con el fin de compartir sus criterios, experiencias, estrategias estéticas y motivaciones a la hora de tratar el tema.

El espacio habitual Ver para creer que conduce la realizadora Magda González Grau, tuvo como invitada especial a la cineasta Belkis Vega, quien destacó el valor del cine, y en especial el documental, para la reflexión y el rescate de las historias de vida de muchas sobrevivientes de la violencia.

El arte, en todas sus manifestaciones, tiene la capacidad de provocar al otro/a, de movilizar el pensamiento y la sensibilidad. La Sala Villena de la UNEAC acogió la exposición Interna Cognición que como parte del Coloquio convocó a aristas de plástica como Ileana Alonso, Aimee García, Cirenaica Moreira, Ángel Alonso, Paulina Márquez, Lisandra Isabel García, entre otros. La muestra puso en imágenes la apuesta ética del evento, como desde la cultura se puede potenciar también un discurso crítico sobre los fenómenos sociales y de manera especial sobre el maltrato, dominio y subvaloración a los que están sometidas muchas mujeres.

Resulta evidente, entonces, la necesidad de promover espacios sistemáticos, donde el diálogo entre academia, creación artística, ciencias sociales y trabajo comunitario constituya la base para el debate acerca de la violencia de género, sus implicaciones en las vidas de hombres y mujeres, y las estrategias para subvertirla. Encuentros donde se visualice además la importante labor de las mujeres en estos ámbitos.

Conscientes de la importancia de desmontar los supuestos simbólicos sobre los que se sostiene la violencia de género, y otras discriminaciones, desde la UNEAC parece será sistemática la realización de estos y otros espacios donde siempre prime una producción cultural e intelectual reflexiva, ética y profundamente propositiva.

Chile: Las controversias del Premio Nacional de Literatura a Isabel Allende

Tamara Vidaurrázaga A.

(SEMlac).- Después de 28 años de premiar sólo a varones, este 2010 el Premio Nacional de Literatura fue otorgado a una mujer: la célebre escritora Isabel Allende. La elección no estuvo exenta de polémica entre quienes defienden la calidad de literata de Allende y quienes la critican por comercial.

La decisión del jurado establece, según señalaron al publicar el fallo que dio por ganadora a Allende: "tomando en consideración la excelencia y el aporte de su obra a la literatura, la que no sólo ha concitado recepción tanto en Chile como en el extranjero, sino que ha sido reconocida con múltiples distinciones y ha revalorizado el papel del lector".

El premio consistió en 32.000 dólares y en 1.400 dólares mensuales de por vida. El Premio Nacional de Literatura sólo se ha otorgado a tres mujeres anteriormente: Gabriela Mistral, Marta Brunet y Marcela Paz.

Lo paradójico es que esta escritora, sobrina del ex presidente Salvador Allende y conocida progresista, recibió su galardón luego de 20 años de gobiernos concertacionistas y en el primer año de administración de Sebastián Piñera, quien representa a la coalición de derecha.

A favor

La campaña a favor del premio a Isabel Allende estuvo liderada por relevantes personajes de la Concertación por la Democracia, como los ex mandatarios Michelle Bachelet, Ricardo Lagos, Eduardo Frei y Patricio Aylwin quienes, sin embargo, nunca le dieron el premio en sus gobiernos.

Uno de los argumentos a favor de Allende fue, precisamente, que ella es mujer. La misma novelista ha denunciado el machismo de este galardón y la senadora concertacionista Ximena Rincón señaló que "si Isabel Allende fuera 'Isabelo', ya le hubieran dado el premio".

La escritora Delia Vergara lideró el grupo que promovió a Isabel Allende para ser premiada, dentro del cual participó activamente la poeta y académica de la Universidad Católica, Teresa Calderón.

Teresa señaló a SEMlac: "Desde hacía muchos años, las escritoras estábamos reclamando el Premio Nacional para las mujeres narradoras y poetas. Es insólito que, desde 1944, sólo lo hubiesen obtenido tres mujeres. Ahora sumamos un nuevo nombre de mujer: Isabel Allende. ¡Ya era hora de empezar a cambiar la machista historia del Premio Nacional de Literatura en Chile!".

Una carta escrita por Calderón señaló razones para darle la distinción a Allende: "De superflua no tiene nada, todo lo contrario: nos permite adentrarnos en nuestros dramas, tragedias e identidad, sin complejidades innecesarias. Por otra parte, sus múltiples registros narrativos -el novelesco, histórico, autobiográfico, genérico- la hace, a mi parecer, una de las narradoras más versátiles que ha producido nuestra narrativa chilena desde los años setenta hasta la fecha".

Más adelante agrega en la carta, facilitada a SEMlac por Teresa Calderón: "Isabel Allende es sin duda una narradora y creadora de espacios e identidades como hace tiempo no teníamos: es decir, una palabra honesta y necesaria. Por eso pienso que el Premio Nacional de Literatura no tiene una voz parangonable hoy por hoy".

"Hay mucho fraude e interés creado en estos años, políticamente, incluso académicamente. Pero esos poderes es hora de derribarlos y apostar por una mujer que ha hecho lo suyo: una narrativa honesta, con calidad, compleja en su aparente simplicidad, y, sobre todo, que honra y enaltece a nuestra literatura no sólo en el contexto latinoamericano, sino Universal", añade.

Nada que celebrar

La otra cara de la moneda son los detractores de Allende para el Premio Nacional de Literatura. Apenas se hubo publicado el fallo, el jurado señaló que no había sido otorgado por unanimidad, explicitando el desacuerdo al interior del grupo, en el que se cree que el poeta Raúl Zurita (ganador del premio en 2000) fue quien votó en contra.

El jurado estuvo integrado además por Víctor Pérez (rector de la Universidad de Chile), Misael Camus (rector de la Universidad Católica del Norte) y Cedomil Goic (director de la Academia Chilena de la Lengua).

Los medios señalaron que es precisamente la izquierda más dura la que se ha opuesto sistemáticamente a que Allende recibiera este galardón, lo cual habría dificultado su elección en los cuatro gobiernos concertacionistas.

En Twitter también se dejaron ver reacciones en contra: "Premio Nacional con el mismo criterio que el libro Guiness", comentó el narrador Rafael Gumucio, mientras el crítico literario Rodrigo Pinto indicó: "Lo que menos me gusta del PNL a Isabel Allende es lo feliz que debe estar Pablo Dittborn", refiriéndose al editor general de Random House Mondadori, sello que publica los libros de esta autora en habla hispana, y que se encargó del dossier de su postulación.

Gilda Luongo, crítica feminista y doctorada en literatura, señaló a SEMlac que le parece bien que este premio recaiga en una mujer, pues "sabemos que aún en estos tiempos la hegemonía masculina tiende a visibilizar, premiar, destacar y leer con distinción a escritores de sexo masculino, dado que ello entra en la lógica de valorizar la creación como patrimonio patriarcal, instaurado y legitimado como lugar de propiedad de la fratría de varones". Sin embargo, agregó que esto es desde una mirada muy ingenua.

En cambio, sobre la calidad literaria de la internacionalmente reconocida escritora, Luongo indicó: "es una mujer que se ha dedicado a escribir desde un cierto lugar seguro, protegido, calculado para posicionarse en el mercado. Si ese es un registro que hemos de legitimar las feministas intelectuales como válido, yo tendría que emitir un juicio crítico complejo. (…) No es posible para una mujer feminista -como yo me nombro- higienizar a cualquier mujer que se destaca en el ámbito público, por el sólo hecho de ser mujer".

Finalmente, esta crítica feminista señaló: "No me siento convocada a celebrar este Premio, no me siento convocada por la escritura, la circulación y el consumo que se ha hecho de la producción de Isabel Allende, por ende, digo a boca llena ´nada que celebrar´".

Nadie es profeta en su tierra

"Me emocioné tanto que me puse a llorar, igual que mi marido, mi mamá en Chile y hasta el perro", declaró con gran alegría Allende cuando supo que era la ganadora de este premio, que consideró el más importante de su vida porque se lo otorga su propio país, si bien uno "nunca es profeta en su tierra", enfatizó.

"Nunca imaginé esto. Una vez, antes, ya me habían postulado, y bueno, para qué decir cómo me patearon los caballos, porque fue una cosa atroz", señaló la escritora, tras agradecer el gran apoyo de su amiga Delia Vergara a la hora de movilizar una gran campaña a su favor. "Movilizó a medio Chile y creo que ella consiguió el premio", reconoció.

Allende señaló que espera que esta distinción "abra las puertas a otras mujeres", y que su vida no cambia para nada: "Sigo escribiendo y viviendo. Tengo otra novela terminada en manos de mi agente, que en principio se publicará en 2011, y después quiero tomarme un año sabático y descansar. Cargar las baterías, porque estoy cansada", concluyó.

Para hablar de la trayectoria de Isabel Allende, podríamos hacer un resumen numérico: 68 años, 18 libros, traducciones a 35 idiomas, más de 50 millones de copias vendidas.

También podríamos recordar algunos de sus títulos: La casa de los Espíritus, Eva Luna, Paula, Mi país inventado y el más reciente, que trata de una esclava negra en el Haití previo a la Independencia, La isla bajo el mar.

Sus escritos, de ficción o no, han sido catalogados por la crítica como parte del realismo mágico latinoamericano, si bien sus opositores han sindicado a la autora como una mala copia de Gabriel García Márquez.

Su primera novela, La casa de los Espíritus, se publicó en 1982, a sus 40 años de edad, y está inspirada en la historia familiar de la propia Allende, cruzada con el Golpe de Estado de Augusto Pinochet en 1973.

En 1993 esta obra fue llevada al cine por el director Bille August, que incluyó en el reparto a actores de Hollywood como Meryl Streep, Glenn Close, Winona Ryder, Jeremy Irons, Antonio Banderas y Vanesa Redgrave. Otra de sus obras, De amor y de sombra (1987), también fue llevada a la pantalla grande.

Entre sus obras de no ficción destaca Paula (1994), en la que le narra a su hija -quien se encontraba en coma producto de la Porfiria (enfermedad que produce deficiencia en la producción de hemoglobina), que terminó matándola- la historia de la familia de la escritora, tal como fue en verdad y sin los adornos literarios de La casa de los espíritus.

Sus memorias La suma de los días, en la que continúa la historia relatada en Paula, arman el último texto de no ficción que publicó, en el que cuenta lo que ocurrió con su vida desde la muerte de su hija Paula, y en la que destaca la sinceridad con que relata los acontecimientos de su cotidianidad, como la relación con sus nietos y la historia de amor lésbica entre su nuera y una asistenta de la escritora.

Su vida

Aunque es chilena, Isabel Allende vive actualmente fuera del país. En 1942 nació en Lima, Perú, hija de un diplomático chileno primo del ex presidente de la Unidad Popular Salvador Allende. Vivió también en Bolivia y Beirut, y desde 1959 trabajó para las Naciones Unidas en la FAO.

Desde 1967 laboró como periodista en Chile, siendo conocida por sus escritos en la revista Paula, como "Entrevista a una mujer infiel" en el quinto número, que abrió una polémica entre lectores y lectoras en la sección Cartas. O "Me fui a ofrecer de corista al Bim Bam Bum", reportaje en el que se adentró en el mundo de las vedettes y la vida nocturna del teatro Bim Bam Bum.

En 1962 se casó y tuvo dos hijos: Nicolás y Paula, quien falleció en 1992 y a quien le dedicó la novela con el mismo nombre, que publicó hace 16 años.

Tras el golpe de Estado de 1973 utilizó su pequeño auto pintado con flores de colores para ayudar a asilar gente en las embajadas extranjeras, y ese mismo año se autoexilió en Venezuela, donde ejerció como periodista e inició su carrera literaria con el lanzamiento de la célebre novela La casa de los espíritus (1982). En 1987 se divorció y un año después retornó a Chile.

Actualmente vive en California y está casada con un abogado estadounidense, cuya vida ficcionada relató en su novela El plan infinito (1991) y con quien vive hasta la actualidad.

La Mujer en la Música...

Por Irvin García / Claridad

Restos arqueológicos encontrados en Sumeria, que datan de 2000 años antes de Cristo, evidencian que la princesa Edennuana escribía música en tablas de terracota. Esa evidencia sería suficiente para inferir que la mujer ha estado presente en las prácticas musicales desde las primeras manifestaciones del arte sonoro. Sin embargo, pregúntele a cualquier persona, con conocimiento general, y muchas veces especializado, que le nombre algunas de las grandes figuras de la música “culta” occidental. Le dirán que Mozart, Haydn, Beethoven, Wagner o Debussy, pero me atrevo apostar pesos a morisquetas que no mencionarán un nombre de mujer. Si alguna presencia femenina reconociera sería la de la hermana, la hija o la esposa de alguno de estos genios musicales.

A la mayoría de los estudiosos no les interesa reconocer, no digo yo a la princesa Edennuana, a Hildegard von Bingen (1098-1179), a Leonor de Aquitania (1122-1204), a Ana Bolena (1507-1536), a las hermanas Rafaella y ?Vittoria Aleotti, A Elizabeth Claude Jaquet, a Marianne Martínez (1744-1812), a Marianne Mozart, Isabel Colbran (1785-1845), Clara Wieck (1819- 1892), Louise Adolpha le Beau (1850-1927) o, a varias decenas adicionales de mujeres que poblaron con su talento musical el Siglo XX. A estas alturas debe haber saltado de entre las líneas el porqué de esta agringolada visión: los cánones establecidos para valorar las prácticas musicales han sido unos patriarcales, unos de valoración de opuestos binarios, hombre-mujer, aplicados también al binomio música culta-música popular.

El análisis de la música desarrollado por los académicos ha pretendido ser uno de carácter científico que se limita al hecho musical puramente, a la partitura. En este análisis quedan fuera las consideraciones de género, raza o clase social. El hecho de adjudicarle sentimientos o emociones al hecho musical era considerado como un afeminamiento de la música. De esta forma los conservatorios han ido formando, a hombres y mujeres, por cientos de años. Súmele a estas consideraciones otro binomio de contrarios, las prácticas privadas-públicas que permean en la consideración y valoración de los géneros.

En nuestro suelo, todavía, somos testigos del juicio moral que se le hace a una mujer cuando ejerce una práctica fuera del ámbito privado y hogareño. Se juzga más aún cuando de prácticas musicales se trata, especialmente en la música popular. Considere la historia que hemos contado en estas páginas sobre Victoria Hernández, hermana de Rafael Hernández, quien abandonó su práctica musical en el piano para posicionarse tras los bastidores que sostenían la fama de su hermano. ¿Sabía usted que la señorita Paoli también se mantuvo a la sombra de su hermano Antonio Paoli, a pesar de tener una formación musical del mismo nivel que su hermano? A esta figura la historia musical de Puerto Rico le debe el nombramiento de madre de la educación musical moderna en la Isla. ¿Sabía usted que Ana Otero fue una excelente pianista que le dio la vuelta a la Isla con su talento para levantar los fondos necesarios para ir a perfeccionar sus destrezas musicales con los mejores maestros? ¿Sabía que Monsita Ferrer fue una excelente compositora de danzas? La historiografía musical nuestra les debe un lugar a éstas y otras tantas mujeres quienes tras los bastidores del canon patriarcal, con sus aportaciones y renuncias, aportaron a la solidificación de unas prácticas musicales que nacieron en el Siglo 19 y desembocaron en el 20, atornillando en el planeta nuestra identidad musical. ¿Recogerán el reto los académicos musicales del Siglo 21? ¿Se reconocerán las mujeres en las familias Figueroa, Peña y Morlá entre otras?

Con el advenimiento de la radio y la tecnología de grabación a principios del Siglo 20 se abrió un espacio para la música fuera de la academia, para la música a nivel popular. Allí nació la industria musical como la conocemos hoy, por supuesto,, heredando, como proceso “natural”, el sistema de jerarquías, valorizaciones y cánones patriarcales del pasado. Estos machazos de la industria no impiden que la mujer incorpore sus prácticas musicales a ese mundo, pero eso sí, en sus términos y sin amenazar sus posiciones de poder. Ya para mediados de ese siglo Myrta Silva se había hecho guarachera y compositora, Ruth Fernández le rompía los esquemas raciales a los círculos de poder. En adelante Silvia Rexach honraría el cancionero puertorriqueño con sus composiciones y retaría la supremacía musical masculina con el grupo Las Damiselas. Puchi Balseiro le pondría filin a los boleros que compuso y Evelyn Souffront interpretaría esa tendencia musical. La siguiente década impulsaría una serie de mujeres cantantes representadas en el torrentoso y comprometido cantar de Lucecita Benitez.

En los años 70 la mujer puertorriqueña se incorpora a los planteamientos que exigen una revisión del papel de los géneros en distintas disciplinas. La música no se salva, ni sus estructuras patriarcales, de los reclamos de igualdad, y hasta de superioridad, que el movimiento feminista alcanzó. Pero sobrevivieron las viejas prácticas de los binomios contrarios. El binomio mujer versus hombre exigía el desplazamiento del hombre de posiciones de poder para ser ocupados por las féminas. La insatisfacción surge cuando la mujer asume las prácticas de sus “contrarios” como algo normal, dando paso a los mismos errores y prácticas injustas de poder que no necesariamente eran característicos de un género.

Entrada ya en el Siglo 21, la mujer ha interiorizado los presupuestos del feminismo y rechaza la imagen estereotipada y negativa de la feminista de los 1970. Por otro lado ha la mujer de hoy celebra su feminidad y entiende que esa feminidad no es el opuesto del feminismo. La feminidad se manifiesta en un ambiente que permite la negociación, tanto de la identidad femenina como de la masculina, contribuyendo así a romper con el sistema de oposiciones binarias. Con este enfoque, la mujer no pretende desplazar al hombre, sino, practicar una nueva forma de entender la música desde su multiciplidad y fragmentación. Una nueva forma de entender la música que tenga en cuenta, no sólo la diferencia de géneros, sino, las diferencias de clases, de razas y diversos contextos que no excluyen a unos en contra de otros.

Así lo atestiguan en nuestro suelo las prácticas musicales de Zoraida Santiago, Flora Santiago y Victoria Sanabria en representación de la mujer trovadora. Las voces comprometidas de toda la vida de Chabela, Tati Rodríguez y Josy Latorre. Las voces de Olga Tañón y Ednita Nazario quienes forman su compromiso con la Patria junto a las poderosas voces de Melina León y Gissele. Fuera no pueden quedar las voces de las sopranos y contraltos representadas en la figura de Ilca Rivera. Tampoco las decenas de mujeres miembros de la Orquesta Sinfónica, de bandas, coros, tunas y conjuntos que se manifiestan en la totalidad de instrumentos musicales con que aderezamos nuestras prácticas musicales. El sentido a esta forma de entender la música lo complementan, en primer lugar, las miles de mujeres que reciben la música como oyentes y son parte de la práctica musical. En segundo lugar, el fenómeno se enriquece con la labor de cientos de mujeres en la educación musical de las nuevas generaciones.

La princesa Edennuana, la que compuso música en tablas de terracota 2000 años antes de Cristo en Sumeria, debe estar bailando en la tumba porque la presencia de la mujer en la música, 41 siglos después, ha rendido tendencias en el desarrollo de la música alrededor del planeta y de carambola aporta a la convivencia de los hombres y mujeres que lo habitamos.

Comentarios a: igarcia@claridadpuertorico.com

Mirada desigual entre dos mujeres colonizadas

Por: Jon Juanma Illescas Martínez *

“En última instancia, vivimos en una especie de sistema internacional de castas, donde los hombres blancos occidentales de las clases dominantes ocupan la cima y las mujeres no blancas del mundo colonizado la base”

Mary Kelly, en Shrew, Taller de Liberación de las Mujeres, 1970.Sostiene el filósofo Santiago Alba Rico que la capacidad de observar a alguien, muchas veces implica y connota una relación clara de explotación. Una asimetría entre el poder del que observa y la debilidad del que es observado. En esta obra de la artista francesa Marie-Guilhelmine Benoist (1768/1826), realizada en 1800, nos encontramos con este hecho desigual entre quien tiene capacidad de observar y dar cuenta de ello (la pintora) y quien es observada y retratada (la modelo). Aun teniendo en cuenta esto, la grandeza de esta obra radica precisamente en tensionar esta realidad, no hasta quebrarla, pero sí hasta ponerla en cuestión y casi ganarle la partida. ¿Cómo lo hace? Con la resistencia de la modelo a ser mirada sin mirar, generosamente plasmada en el lienzo por la pintora Benoist. La modelo, mujer y negra, mira a la artista, mujer y blanca, pero por extensión y hegemonía del significado, a quien apela definitivamente es al espectador futuro.

Le dice con voz clara:
“Tengo los ojos cansados de presenciar tanta injusticia hacia los míos, sufrida como fuego en mi piel, pero no me robarás la dignidad, el desafío, de mirarte mientras me miras. Me niego a ser presa de tus fantasías de dominación. Te miro para molestarte, para recordarte que soy persona y no objeto. Te miro de igual a igual, a pesar de tener el pecho desnudo, a pesar de ser mujer y negra, te recuerdo que no dejas de ser lo que yo: una persona”.

M.G Benoist fue alumna del gran maestro republicano Jacques-Louis David, del que ya hemos hablado en otras ocasiones y del que cabe recordar que fue autor de obras tan capitales en la Historia del Arte como “El juramento de los Horacios” (1784), “Marat asesinado” 1 (1793) o la inconmensurable “El rapto de las sabinas” (1799). El pintor izquierdista aceptó en su taller mujeres artistas, lo cual en aquella época era ciertamente rupturista con el machismo imperante. Ello fue posible al calor de la Revolución Francesa y las nuevas ideas republicanas que permitieron a David dar este valiente salto cualitativo.

Sin embargo, su aprendiz, nunca fue una revolucionaria.. La pintora parisina tuvo una exitosa carrera (que no podría haber tenido en otro lugar que no fuera la Francia tumultuosa de aquellos años). Ganó en 1804 una medalla de oro en reconocimiento a su pintura y fundó un taller para mujeres. Durante el mandato de Napoleón obtuvo el monopolio de los encargos de retratos del Département. Sus obras finales se alejaron del estilo neoclásico de David y preludiaron el estilo pictórico de otro clásico, también alumno del genial jacobino: Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780/1867). Pero el hecho de que Benoist no fuera una revolucionaria y que incluso estuviera casada con un Conde convencido monárquico, no quita que realizara una obra de arte revolucionaria como la que nos ocupa. Revolucionaria para la Historia de la Pintura se entiende, progresista políticamente en la época de su ejecución.

El óleo sobre tela que nos ocupa, 81x65 cm (Louvre), fue creado seis años después de la primera abolición de la esclavitud 2 . Significó una defensa de los derechos de los ciudadanos franceses negros y también de la mujer. Una obra por tanto que es a la vez: canto feminista y contra la opresión esclavista.

En la imagen podemos ver la composición limpia con el fuerte contraste entre la piel oscura de la mujer y el manto blanco que recoge su tórax semidesnudo. Un pecho descubierto se asoma tras el blancor de la tela que elegantemente viste la belleza de la mujer antillana. Hasta aquí el erotismo del cuadro entendido como reconocimiento a la belleza (exótica para la autora) de esta mujer. El azul de la tela que cubre la silla rompe, sin hacer mucho ruido, con la armonía terrosa suave de todo el lienzo, pertinazmente enfatizada por los blancos de la tela y el ocre del fondo. Esta ruptura azulada dignifica la presencia de la mujer, que aparece como una especie de Reina del Ébano que recupera su Trono perdido tras el fin de la esclavitud.

El magnífico retrato no sería tal, si no fuera porque al mirar los ojos de la bella mujer nos hundimos en su propia psique, bañándonos en el recuerdo del dolor que ha sufrido por su doble condición de esclava: como mujer y como negra. Pero a la vez, Benoist trasladándonos su profunda mirada nos exige el reconocimiento a su indudable dignidad y valentía con la que ha vivido su vida con el peso de esta doble condición. No acacha la cabeza, y sí mira tanto a la mujer que la pinta (Benoist), como al posible espectador-hombre que la mirará y lo hace exigiendo igualdad.

La mayor apología que esta obra contiene por la igualdad tanto de negros como de mujeres, radica en la mirada de la hermosa mujer de piel noche. Una mirada que no se esconde, sino que reclama. Nos reclama.

* Jon Juanma es el seudónimo artistico/revolucionario de Jon E. Illescas Martínez, artista plástico, analista político y teórico del Socialismo.

Para contactar con el autor: jonjuanma@gmail.com
Para visitar su blog: http://jonjuanma.blogspot.com/
Parte de su obra plástica: http://jon-juanma.artelista.com/

Notas:

1. Enlace a un artículo sobre esta obra: http://cultural.argenpress.info/2008/10/la-muerte-de-marat-la-obra-de-un-genio.html

2. La Convención dirigida por Robespierre y los jacobinos aprobó lo siguiente:

"La Convención declara la esclavitud de los negros abolida en todas sus colonias; en consecuencia, decreta que todos los hombres sin distinción de color, domiciliados en las colonias, son ciudadanos franceses y gozaran de todos los derechos asegurados por la Constitución"

Más tarde, (sólo dos años después de acabada la obra que nos ocupa), en 1802, Napoleón restablece la esclavitud y provoca miles de asesinatos y suicidios en las colonias. El fin de la esclavismo en Francia no aconteció hasta 1848 con la Revolución de ese año, cuando le encargaron la redacción del proyecto de ley al diputado Victor Schoelcher, republicano de izquierdas que también luchó por los derechos de la mujer y contra la pena de muerte.